- Quelle est l'origine et l'histoire du théâtre ?
- L'origine grecque du théâtre
- L'origine du théâtre non occidental
- Drame liturgique et théâtre médiéval
- La floraison du théâtre japonais
- Théâtre de la Renaissance et la commedia dell'arte
- L'entrée de la modernité
- Le 20ème siècle et contemporain
Nous expliquons l'origine et l'histoire du théâtre dans différentes parties du monde, de l'Antiquité à nos jours.
Quelle est l'origine et l'histoire du théâtre ?
La théâtre, le genre artistique dans lequel Littérature (dramaturgie) et les arts de la scène (représentation théâtrale), est l'une des plus anciennes formes d'expression artistique de l'histoire. humanité.
Bien que son origine remonte généralement au Antiquité classique de l'Occident, la vérité est que presque tous les cultures anciennes ils avaient une forme de théâtre ou un spectacle très similaire, avec lequel ils éduquaient leurs jeunes, priaient leurs dieux ou se sont souvenus de leur mythes fondamentale.
Cependant, les premiers à comprendre le théâtre comme une forme d'art en soi, c'est-à-dire comme un "art dramatique", furent les anciens Grecs du VIe au IVe siècle av. c.
Les anciens Grecs célébraient certains rituels religieuse en l'honneur de Dionysos, dieu du vin et de la fertilité, connue sous le nom de bacchanale. En ces rites la Danse et les états de transe étaient normaux, mais aussi une certaine narration et mise en scène des mythes fondateurs, et c'est ce dernier qui a donné naissance au théâtre.
L'origine grecque du théâtre
Il est né au 6ème siècle avant JC. C. grâce à un prêtre de Dionysos, appelé Thespis, qui introduisit une modification importante dans les rituels : un dialogue qu'il tenait avec la chorale lors de chaque festival.
Ainsi, Thespis est devenu le premier acteur de théâtre. En fait, selon les chroniques du IIIe siècle a. C. C'est Thespis lui-même qui remporta le premier concours théâtral de Grèce, tenu à Athènes en 534 av. c.
Dès lors, les concours théâtraux sont devenus très courants lors des festivals en l'honneur de Dionysos, qui duraient quatre jours entiers et utilisaient des structures en bois cloisonnées pour l'orchestre, le public et la scène autour de la statue de Dionysos.
Tout au long des Ve et IVe siècles av. C. le théâtre grec a prospéré et est devenu indépendant de la culte religieux. Cependant, il a continué d'être un mécanisme de la société grecque pour éduquer ses jeunes dans le religion, la mythologie et les valeurs civiques classiques.
A cette époque, les trois grands dramaturges grecs ont émergé: Eschyle (525-456 avant JC), Sophocle (496-406 avant JC) et Euripide (484-406 avant JC), auteurs d'un vaste ensemble de pièces tragiques qui ont abordé les grands mythes grecs. Avec eux, de grands comédiens grecs comme Aristophane (444-385 av. J.-C.) ont proliféré.
Le théâtre était si important dans la culture grecque que le philosophe Aristote (384-322 av. J.-C.) s'en est inspiré pour écrire le premier traité d'art dramatique de l'histoire de l'humanité : le Poétique à partir de 335 avant JC c.
De la même manière, il était si important pour la région méditerranéenne de l'époque, que la culture romaine s'en servit de modèle et d'inspiration pour développer son propre théâtre entre le IIe et le IIIe siècle av. C. C'est ainsi qu'émergent des auteurs aussi renommés que Plaute (254-184 av. J.-C.) et Térence (185-159 av. J.-C.), dont pièces ils faisaient partie d'un événement beaucoup plus vaste de la culture romaine : les Jeux romains en l'honneur des dieux.
Les Romains ont également incorporé l'héritage dramaturgique grec dans leur culture, le préservant en latin pour des lecteurs beaucoup plus tardifs.
L'origine du théâtre non occidental
Il y avait aussi, dans les temps anciens, de riches traditions théâtrales dans l'Orient du monde, en particulier dans la culture ancienne de l'Inde. Le théâtre de l'Inde est né des danses religieuses et cérémonielles.
Ce théâtre a acquis une étude formelle autour du 4ème et 2ème siècle avant JC.C., à en juger par ce que Natia Shastra, un ancien traité hindou sur la danse, le chant et le théâtre, attribué au musicologue Bharata Muni (dates incertaines). Cet ouvrage étudie notamment le théâtre classique indien, apogée de la littérature sanskrite.
Dans ce genre de drame des personnages très stéréotypés sont apparus comme le héros (nayaka), L'héroïne (naïka) ou le clown (vidusaka), au milieu de récits mythologiques et religieux sur l'origine des dieux. Le spectacle consistait avant tout en la danse et le dialogue des acteurs, costumés et maquillés, mais sans scène ni décors.
Le théâtre indien a longtemps été pratiqué presque sans interruption ni changement, atteignant son apogée entre le IIIe et le Ve siècle de notre ère. Deux des grands dramaturges de cette tradition étaient Sudraka (IIIe siècle après JC) et Kalidasa (IVe-Ve siècles après JC), ce dernier auteur de grandes pièces d'amour.
Une autre tradition non occidentale importante, le théâtre de Chine, est née vers le 6ème siècle avant JC. C. Il était composé principalement de danses, d'acrobaties, de mimes et d'actes rituels sans genre défini.
Les acteurs, tous masculins, pouvaient jouer différents types de rôles stéréotypés, qu'ils soient masculins (sheng), féminin (alors), des bandes dessinées (choux) ou guerriers (chanter). Dans de nombreux cas, des masques et du maquillage ont été utilisés.
La tradition chinoise a inspiré des versions similaires au Japon et dans d'autres pays d'Asie du Sud-Est, qui ont prospéré au cours des siècles suivants et n'ont été connues en Occident que presque au XIXe siècle.
Drame liturgique et théâtre médiéval
Après la chute de Empire romain, le théâtre en Occident a perdu son ancienne pertinence populaire et religieuse : c'est parce que le Christianisme a rejeté l'héritage païen de L'Europe et il a tout fait pour se distinguer et se distancer de cette tradition. Cependant, au 10ème siècle, la liturgie chrétienne et la célébration de Pâques étaient des événements centraux de la culture chrétienne et étaient célébrées en grande pompe et dans un décor grandiose.
Ainsi, dans le Moyen-Age un théâtre liturgique est né, qui reproduisait les scènes les plus importantes de la mythologie chrétienne, comme la visite de Marie-Madeleine au tombeau de Jésus-Christ. Avec cela est née une riche tradition de la dramaturgie chrétienne ultérieure.
Vers les XIe et XIIe siècles, de nombreux monastères français ont commencé à mettre en scène des récits bibliques sur une estrade à l'extérieur du temple, abandonnant également le culte latin pour utiliser des langues vernaculaires, plus proches du peuple. La mise en scène de la Genèse ou de l'Apocalypse, ou la vie tourmentée des saints, comme celle de sainte Apollonie ou de sainte Dorothée, était courante.
Au fur et à mesure que ces actes théâtraux gagnaient en complexité, ils ont commencé à être présentés sur des chars ou des scènes mobiles, pour transporter la liturgie et l'histoire ecclésiastique dans les différents coins du pays. Cela était particulièrement populaire en Espagne, et ils sont devenus connus sous le nom de Voitures sacramentelles, c'est-à-dire des drames de l'Eucharistie.
Des événements similaires ont été entrepris en Angleterre à l'époque, en particulier pendant la corpus Christi, et sont devenus des formes populaires de théâtre, courantes dans toute l'Europe jusqu'au XVIe siècle.
Dès lors, ses principaux détracteurs se font jour : les puritains protestants qui dénoncent l'humour et l'audace prédominants dans ses représentations, et les humanistes Renaissance qui a vu d'un mauvais œil leur frivolité et son lien avec une certaine tradition médiévale dont ils ont cherché à se détacher.
Par conséquent, nombre de ces œuvres sont interdites à Paris et dans les pays d'Europe protestante, alors qu'elles fleurissent dans l'Europe de la Contre-Réforme, principalement en Espagne. grands auteurs de baroque Des Espagnols tels que Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) et Calderón de la Barca (1600-1681) sont considérés parmi les plus grands auteurs de l'acte sacramentel.
La floraison du théâtre japonais
Pendant ce temps, au Japon du XIVe siècle, une culture du spectacle se cristallisait. Héritier des danses shinto et des rituels bouddhistes, à la fois propres et copiés de la Chine et d'autres nations asiatiques, le théâtre japonais a franchi ses étapes les plus importantes.
Dès lors, trois grandes tendances font leurs premiers pas :
- Le drame lyrique raffiné du théâtre nô et kyogen.
- Le théâtre de marionnettes littéraire Bunraku.
- Plus tard, le théâtre kabuki, le spectacle dramatique de la bourgeoisie.
Le théâtre nô est né à Kyoto vers 1374, sous la tutelle du shogun Yoshimitsu, commençant une importante tradition de patronage théâtral par les seigneurs féodaux japonais.
La plupart des œuvres de ce style, interprétées avec une grâce et un raffinement infinis par des acteurs masculins accompagnés d'un petit chœur, ont été écrites dans les décennies suivantes par Kanami Motokiyo, son fils Zeami Motokiyo, et plus tard le gendre de ce dernier, Zenchiku. Peu de nouvelles pièces ont été écrites pour le théâtre nô depuis le XVe siècle.
Peut-être pour cette raison, vers le XVIe siècle, le panorama théâtral japonais présente un certain déclin. A cela, il faut ajouter l'interdiction en 1629 de toutes les représentations théâtrales mettant en scène des femmes, après que les présentations de la prêtresse shinto O-Kuni eurent fait sensation dans le public de Kyoto.
C'est pourquoi, au début du XVIIe siècle, un nouveau théâtre japonais voit le jour pour combler le vide, reflétant les nouvelles sensibilités bourgeoises de l'époque : le Kabuki, un café-théâtre à succès, qui utilise des décors somptueux et des costumes élaborés, dont les œuvres est issu de la tradition littéraire et du théâtre de marionnettes.
Théâtre de la Renaissance et la commedia dell'arte
Comme dans bien d'autres art et la connaissance, la Renaissance European a marqué un avant et un après dans le théâtre et la dramaturgie. Les œuvres sont devenues plus naturelles, dépouillées de leur obligation religieuse et ont sauvé l'héritage théorique d'Aristote, ainsi que les mythes antiques et les symboles classiques.
Le triomphe de bourgeoisie como la nueva clase social dominante determinó un cambio en las sensibilidades teatrales y pronto se presenció el nacimiento de nuevos géneros y nuevos estilos, como el teatro barroco español y el teatro isabelino inglés, en cuya tradición aparecieron grandes nombres como los de Miguel de Cervantes y William Shakespeare.
Cependant, la plus importante des nouvelles formes de théâtre était la Commedia dell'Arte italienne, qui a émergé vers 1545 comme une forme de théâtre de rue et populaire, mais interprétée par des acteurs professionnels. De nombreuses troupes théâtrales étaient itinérantes, se déplaçant de ville en ville et installant des scènes de fortune.
Là, ils représentaient des morceaux de la comédie improvisations physiques, théâtrales et propres pièces dont personnages ils étaient facilement et rapidement reconnaissables, puisqu'ils portaient toujours les mêmes masques. Par exemple, les pantalons c'était un vieil homme pompeux et de mauvaise humeur à qui l'on jouait des farces et des farces, tandis que Arlequin était le serviteur plaisant et audacieux, et Pulcinelli c'était le spécialiste des coups bedonnants et bossus.
Dès lors, de nouvelles formes de spectacle théâtral se popularisent dans une Europe qui valorise de plus en plus la dramaturgie. La tragi-comédie devenu un genre populaire, une sorte de trait d'union entre la comédie et la tragédie. L'opéra est également apparu au XVIIe siècle et le soi-disant «style italien» de théâtre s'est répandu dans toute l'Europe.
Dans ce même contexte, le théâtre français connaît un essor important, aux mains de dramaturges de renom tels que Pierre Corneille (1606-1684) et Jean Racine (1639-1699), grands auteurs de tragédies, et surtout Jean-Baptiste Poquelin, meilleur dit Molière (1622-1673), acteur et auteur de comédies, de farces, de tragi-comédies et de certaines des œuvres les plus célèbres de la langue française.
L'entrée de la modernité
Le prochain grand changement dans la tradition théâtrale occidentale est venu avec la le romantisme l'allemand, surtout Sturm et Drang dans la seconde moitié du XVIIIe siècle.
Comme dans le reste des arts, le romantisme théâtral a mis l'accent sur la sentimentalité et le drame contre le rationalisme qui a émergé avec le Illustration Français. Il préfère les thèmes sombres et mystérieux, en particulier ceux de la culture populaire et du folklore.
L'héritage laissé par des auteurs tels que Wolfgang von Goethe (1749-1832) et Friedrich Schiller (1759-1805), avec de grandes œuvres dramatiques comme Faust ou Guillaume Tell au début du XIXe siècle, a inspiré la naissance d'un nouveau genre : le mélodrame, qui incorporait de la musique pour souligner les émotions des personnages.
De la main de nationalisme Européen, ce nouveau style s'est répandu dans presque tous les pays et a produit des œuvres et des auteurs de renom tels que Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla et bien d'autres.
Cependant, la fondation du théâtre moderne proprement dit s'est faite bien au XIXe siècle, avec la fondation du théâtre réaliste, le triomphe du rationalisme sur les romantiques. Le réalisme insiste sur la nécessité d'un théâtre naturaliste : décors proches des vrais, spectacles crédibles et dénués de diction ou de gestes grandiloquents.
Comme prévu, le réalisme est né en France, berceau des Lumières.Cependant, il a atteint son apogée expressive sous la plume d'auteurs nordiques tels que le Suédois August Strindberg (1849-1912) et le Norvégien Henrik Ibsen (1828-1906), ou même avec le nouvelliste russe Anton Tchekhov (1860- 1904).
Le 20ème siècle et contemporain
L'arrivée du 20ème siècle turbulent a apporté avec lui la avant-gardes, une source incessante de innovation formelle et esthétique qui a donné naissance à de nombreuses écoles théâtrales en Europe et en Amérique.
En général, l'avant-garde recherchait plus d'intensité et de profondeur psychologique dans ses personnages, abandonnant les trois unités aristotéliciennes classiques et embrassant souvent la dénonciation et le militantisme politique. De plus, grâce à eux, le rôle du metteur en scène prend le pas sur les acteurs ; un rôle comparable au réalisateur.
Les mouvements théâtraux d'avant-garde sont trop nombreux pour être énumérés dans leur intégralité, mais il convient de noter la expressionnisme, le "théâtre épique" de Bertoldt Brecht, le théâtre de l'absurde lié à la philosophie de existentialisme et les œuvres d'Antonin Artaud, Eugène Ionesco et Samuel Beckett.
De plus, le non-conformisme et le sentiment anti-bourgeois des Jeunes hommes en colère: Harold Pinter, John Osbourne et Arnold Wesker. D'autres grands noms de l'époque étaient Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán, entre autres.
Depuis 1960, le théâtre contemporain tente de renouer avec les émotions du spectateur, s'éloignant du théâtre épique et des messages politiques. Nombreux sont les aspects théâtraux qui cherchent à rompre avec la scène et à amener le théâtre dans la rue, ou à intégrer le public à la scène, ou encore à recourir à événement ou théâtre de situation improvisé dans la vraie vie.